Sancti Spiritus, 1970. Vive em Düsseldorf

As práticas artísticas de Diango Hernández estão em relação direta com a cultura tropical caribenha e o contexto sociocultural e geopolítico cubano. Os embargos e as crises econômicas, os conflitos cubano-americano, a ideologia socialista, a Cuba pré e pós-revolucionária são temas recorrentes em suas construções escultóricas e pictóricas.

Hernández, que também é designer e arquiteto, participou por dez anos do Ordo Amoris Cabinet, coletivo de artistas e designers cubanos que, no contexto da ideologia soviética e da precariedade material, tecnológica e econômica, projetaram objetos que assumiam essa situação como atributos – de forma similar ao que se reconhece como estética da gambiarra na cultura brasileira. O resultado era um híbrido, feito com toda sorte de materiais, que provisoriamente tinha a forma e a função de um objeto de “design”. A capacidade de criar soluções engenhosas com recursos limitados está em consonância com o cotidiano dos cubanos, que pelas contingências aprenderam a transformar a escassez material, financeira e tecnológica em uma força criativa original.

Paris, 1961

O trabalho fotográfico de Darzacq questiona a construção do que se entende como “normal”, assim como a uniformização dos gostos, dos ideais e das atitudes. Desta maneira, aborda os limites de uma homogeneidade constrangedora, salientando o potencial que emerge das minorias étnicas e sociais, ou de pessoas diagnosticadas com deficiências físicas ou psíquicas. O artista formula uma interrogação sobre o lugar do indivíduo e da alteridade em uma sociedade que ignora a diferença em prol de uma normatização do comportamento e dos corpos com base em padrões hegemônicos de vida e sociabilidade. Na série Hyper [Hiper], Darzacq convidou jovens para interpretar movimentos de dança de rua em meio a um supermercado. Posteriores aos protestos nas periferias de Paris em 2005, as posturas corporais inertes em meio às embalagens coloridas sugerem rebeldia e um desejo de liberdade diante de uma ordem estabelecida. A série Doublemix aproxima fotografias do artista a peças de cerâmica confeccionadas por Anna-Iris Lüneman. Entre o pixel e a materialidade do barro, um espaço híbrido abre uma gama de possíveis significados.

Cidade da Guatemala, 1974. Vive em Viena

Muitos dos objetos, instalações, performances e vídeos de Sandra Monterroso são fruto de um processo de reaproximação com suas matrizes genealógicas e, em particular, com as mulheres de sua família. Dessa forma, a artista efetua, como outros de sua geração, um movimento de reconhecimento da Guatemala e de suas raízes indígenas, dificultado por anos de conflito armado interno, entre 1960 e 1996. Essa reapropriação com história e cultura locais aparece como uma forma de resistência diante do legado colonial e da intensificação dos efeitos do capitalismo global.

O trabalho Columna vertebral y los rumbos cardinales [Coluna vertebral e os pontos cardeais] é sintomático de uma retomada de conhecimentos e fazeres manuais autóctones. No projeto, ainda em andamento, a artista se propõe a reencontrar parentes, conviver com eles e coletar suas tradicionais saias. Empilhadas em colunas, essas peças de vestuário tornam-se monumento e permitem homenagear seus familiares, as tradições e as memórias que preservam há gerações. As colunas vermelha e amarela correspondem respectivamente ao leste e ao sul na cosmovisão dos povos maias.

Ibiza, 1986. Vive em Madri

O que faz um local se converter em destino turístico massificado e parte da indústria do entretenimento? Como, nesse processo, esses lugares se moldam a uma imagem exótica para exportação? Quais são os efeitos da adequação a uma identidade postiça para suprir expectativas estrangeiras? Essas são algumas indagações que norteiam a obra de Irene de Andrés.

No projeto Donde nada ocurre [Onde nada acontece], a artista espanhola investiga a história de cinco discotecas abandonadas em Ibiza, sua cidade natal. As boates foram fundadas no final dos anos 1960 e início dos 1970, quando a ilha se tornava um renomado balneário com vida noturna intensa. Heaven [Paraíso] traz a ambiência de um desses antigos antros hedonísticos, batizado como “paraíso”.

Munique, 1966. Vive em Berlim

Em ensaios, conferências e instalações audiovisuais, Hito Steyerl reflete sobre as condições de produção, circulação e consumo de imagens na era da globalização digital. Suas análises salientam os intrincados vínculos entre o campo da arte e os interesses econômicos e geopolíticos em escala internacional. Com base em uma pesquisa extensa, Steyerl associa imagens e dados de fontes heterogêneas, muitas vezes narrados em primeira pessoa, evidenciando essas relações complexas e encobertas entre política, cultura e tecnologia.

Guards [Guardas] se estrutura em torno de entrevistas com dois seguranças de museu que falam sobre seu trabalho e experiências prévias como policiais ou militares, por meio das quais Steyerl parece estabelecer um paralelo com os meios de controle e vigilância colocados em prática para supostamente proteger o patrimônio artístico e a nação.

São Francisco, 1973. Vive em Londres

Os filmes oníricos e sinestésicos de Daria Martin tornam sensações corporais e percepções inconscientes quase palpáveis. Trabalhando com coreógrafos, músicos e atores, a artista aponta para a convergência e a continuidade entre diferentes disciplinas artísticas e convoca diferentes sentidos do espectador. Ao privilegiar o formato de películas de 16 mm, suas obras muitas vezes evocam os ideais utópicos e a estética das vanguardas modernistas. A artificialidade e a teatralidade das situações encenadas, no entanto, induzem uma reflexão sobre o filme como potencial máquina para fabricar fantasias, sonhos e ilusões.

Em In the Palace [No palácio], a escultura Le Palais à 4 heures du matin [O palácio às 4 horas da manhã], realizada por Alberto Giacometti em 1932, é reconstruída em escala humana para tornar-se um cenário habitado. Nele, bailarinos fazem coreografias inspirados na história da dança moderna, do Ballets Russes e Oskar Schlemmer à companhia de Martha Graham. A experiência desses intérpretes parece estar suspensa no tempo: seus corpos presos em um espaço hipnótico e imaginário, como peças giratórias no interior de uma estranha caixa de música.

Tallahassee, 1940. Vive em Londres

A partir do legado histórico do minimalismo e da arte conceitual, Susan Hiller frequentemente utiliza estratégias de inventário, tradução e arqueologia para tratar de cultura e invisibilidade. Suas obras reúnem uma variedade de mídias, como instalação, vídeo e fotografia. Em Frestas, apresenta a série The Last Silent Movie [O último filme mudo] (2007-2008), composta de um filme e 24 gravuras sobre línguas que estão prestes a serem extintas por completo, uma vez que não são mais faladas.

A artista oferece, assim, a possibilidade de decifrar parte de uma comunidade cultural por meio de discursos orais sobre seu cotidiano, muitas vezes proferidos pelos últimos sujeitos fluentes nesses idiomas.

O trabalho lança questões: quanto de memória e história serão perdidos junto com a língua? Qual é o contexto socioeconômico que determina a primazia de algumas culturas e a extinção de outras? Essa pesquisa lança mão de métodos e percursos que extrapolam o domínio da ciência. Em vez de um inventário rigoroso, a relação com os idiomas é sensível, mediada pela sensação física de ouvi-los em uma sala escura.

Kariya, 1933 – Nova York, 2014

Vivendo nos Estados Unidos e havendo iniciado sua produção nos anos 1960, sintonizado com o debate da arte conceitual, On Kawara se debruçou sobre um entendimento autorreferente e vivencial da linguagem e do tempo. Uma das suas séries mais conhecidas é Today [Hoje], realizada a partir de 1966. Trata-se de um conjunto de pinturas que enunciava nada mais do que dia, mês e ano de sua manufatura. Em vez de priorizar esforços na composição, nas cores e no tema da pintura, a série obedecia a algumas regras fixas: a data era sempre pintada em branco, centralizada, com a mesma fonte, em uma tela de cor chapada.

One Million Years [Um milhão de anos] pertence a essa pesquisa. Iniciada nos anos 1960 e ainda aberta para novas vivências, mesmo após a morte de Kawara, em 2014, a obra parte de dois livros: o primeiro, Past [Passado], é um registro dedicado a “todos aqueles que viveram e morreram”, cujo conteúdo é uma listagem dos anos de 998.031 a.C. a 1969; o segundo volume, Future [Futuro], disponibiliza uma listagem dos anos entre 1993 e 1.001.992 e é dedicado “ao último”. A instrução é que os livros sejam lidos em inglês, por um homem e uma mulher, que vocalizam as datas intercalando passado e presente. Com essa obra, On Kawara assinala quão aleatória pode ser a organização da vida ao redor da contagem cronológica, assim como o senso de absurdo representado por uma quantidade como um milhão de anos.

Indianapolis, 1972. Vive em São Paulo

O desenho e a geometria permitem a Marcius Galan refletir sobre a conformação burocrática dos espaços e enunciar possibilidades subversivas de seu uso. O artista costuma ser conciso no uso de materiais, cujas funções originais contribuem para determinar forma e conteúdo das obras. Assunto e execução têm sintonia fina. De tão preciso, o resultado de seu pensamento plástico muitas vezes aponta para falhas de mecanismos aparentemente perfeitos.

Para encontrar o que há por trás de uma primeira camada ilusória de ordem, o artista convoca um espectador engajado, que desbrave com atenção outros ângulos, desconfiando, dessa maneira, daquilo que se reconhece como funcional e cotidiano. O gesto inicial deste projeto para Frestas foi manter visíveis algumas características arquitetônicas deste local de exibição da obra, o estacionamento do Sesc Sorocaba.